Tren bala

Pablo Guevara tenía un proyecto poético compuesto por cinco libros llamado: ¨Colisión¨. El proyecto no se completo por diferentes razones que se desconocen. La direccionalidad de este corpus -que se deduce en la lectura de sus libros póstumos como en los primeros- es la doble inmersión en la experiencia colectiva y en la proyección de imágenes poéticas que funcionan en un espacio cerrado con sus reglas particulares, convencionales y normativas. Tomando estas ideas entenderemos por ¨Colisión¨ el acto de destrucción, choque, enfrentamiento de una materia sin control con otra inerte. La destrucción de un orden para dar paso a la creación de uno nuevo. Eso entendía Pablo de la realidad, del cambio cualitaivo que esperaba para su realidad, para nuestra realidad, y son esas ideas que siempre acompañaron a Pablo en la composición de sus libros.

¨Uno va a estrellarse con ella con la Luna no con el Sol
Marchando por vías que de pronto parecen tener solo dos estaciones finales
Nacimiento/ Muerte – Muerte/Nacimiento…¨
En torno a la influencia cinematográfica del libro ¨Tren bala¨ hay un estupendo trabajo que se ha publicado en el número dos de la revista de creación literaria ¨Telúrica y magnética¨ en las páginas 214 al 216, correspondiente a Gonzalo Portals. Tomaré algunas ideas para plantear la estructura de texto. en el poemario
Pablo tenía una predilección al comediante Joseph Francis Keaton que participo en la película ¨El maquinista de La general¨. Keaton propone en la película una reivindicación de lo que es capaz de ser un hombre débil por recuperar la locomotora –que para Pablo es una metáfora de la realidad-. La locomotora se convierte para Pablo un objeto post mderno sinónimo de velocidad, tecnología, modernidad. Pero a la vez en una realidad, la ciudad, el sujeto multisemántico. Este tren que espera colisionar contra algo que se desconoce. Esto provocará la fragmentación, el nacimiento de nuevas leyes que puedan regir esta realidad irrepresentable. Pero también es esta realidad que está al servicio de aquel sujeto que la observa y la desplaza a su entendimiento. Así mediante la lectura entenderemos que lo Real¨ no existe para el yo poético, solo una ¨Realidad¨ que esta sujeta al entendimiento - ¨Imaginario¨- del Otro.

¨-la realidad que es solo un punto de vista un ojo de aguja-
Un punto sobre el cual verán solo un punto y celebrarán leyes
(con consenso o sin consenso todo dependerá del punto de vista)¨

¨...la realidad es irrpresentable

solo es un ojo de agua un ojo de objetivo -subjetivo - multiforme

punto de vista polisémico

yo creía saber y supe que no sabía nada o muy poco de ella¨
Al no poseer un entendimieto claro de una realidad homogenia para todos los individuos vinculados a ella. No habrá ningun registro que nso construya como sujeto: historia, leyes, realidad, sentimiento, familia. Es aquí donde radican las grandes claves de la poesía de Guevara: el pasado arcaico moralizado por clausulas post modernas que deshumanizan. Y el hombre sólo espera esta coalisión para reestablecer otro orden, otras leyes que lo hagan nacer. Por ello tendrá que vilipendiar todo acto social que lo ate y señale a ese orden de ser humano.

¨No quiero volver a pasar por esas altas bóvedas de los
de los claustros maternos esos nacimientos partos sin dolor partos
con dolor partos prematuros partos…¨

Ahora este no volver a la realidad de no afrontarlas porque ya no está en sus manos el cambio, el cambio está en la ¨la colisión¨, nos hace entender en si lo que nos quiere decir en libro. Es por eso que Pablo ponga en relieve la extrañeza y la dislocación lúcida del universo para enfrentarlo a la sociedad, a la naturaleza, a la historia y al tiempo. Para rafirmarno que lo que entendía de esta realidad irrepresentable.
En torno a la división del poemario se puede deducir la direccionalidad que le quiere dar Pablo al poemario. ¨Montañas¨ son las masas o lo proyecto inmenso que tiene el hombre y no llegará a alcanzar. ¨Salamandra¨ es el desenvolvimiento de las criaturas rastreras por la realidad. ¨Gimnasia¨ es el ejercicio de los sentidos para entender la realidad. ¨Meditaciones¨ vendría hacer la negación de lo que entendemos por ser humanos. Y ¨Odres y basureros¨ sería la miseria que tiene que recoger el hombre de la realidad. ¨Tarsos y metatarsos/ Carpos y Metacarpos¨es lo que el yo poético entiende por realidad y su compromiso con ella. ¨Suicidio malentendidos¨es la justificción filosófica del huir de la realidad. Y ël apartado ¨Tren bala¨sería todo lo ya descrito viajando y manipulado por la realidad.
¨Tren bala¨ es un libro raro en Guevara por su sinceridad y su pesimismo reinante. Pero a la vez esa humanidad que desborda desde el primer verso. Pablo Guevara nos ha dejado un testimonio de vida, un entendimiento de nuestra propia realidad tan opresiva, consumista e irreal. Un poemario que nos abrirá cicatrices en torno a nuestra humanidad.

¨… la realidad es siempre engañosa y cobarde
Lo aprieto con estos mismos diez dedos – hilos invisibles
Que aprieta la realidad del cuello¨¨

Puntuación: Buena
Presentación: Muy buena
Género: Lírico
Leído: 13 de Enero del 2010

Hijo de Dios

Hijo de Dios, la tercera novela del estadounidense Cormac McCarthy, no aparece entre lo mejor de su obra. El éxito de su trilogía de la frontera, de La carretera (ganadora del Pulitzer) y de No es país para viejos (cuya versión fílmica ganó el Óscar a mejor película) opacan, tal vez, otras obras como Hijo de Dios. Esta novela cuenta la historia de una persona desequilibrada llamada Lester Ballard, quien se dedica a matar con su escopeta y a practicar rutinas siniestras ligadas a la necrofilia, a veces fusionadas con la pedofilia. Lester Ballard se va degradando cada vez más, hasta el punto de vivir en una cueva como un cavernícola.
El proceso narrativo de la novela se va alterando mediante la técnica de la fragmentación. Y la construcción de estos fragmentos ampliados posteriormente como una manejo de expropiación de esos pequeños detalles que se quedaron sin visualizar en el lector. De esta manera el autor justifica muchas veces el acto crudo de Lester por una explicación del por qué de la acción con una rememoración psicológica de su niñez o la usurpación del territorio donde habitaba. Este punto es muy importante en toda la obra de McCarthy. La violencia en este libro ocurre cuando los Otros invaden y despojan al Yo de lugar donde habita. Este tiene que mudarse, inflingir en la ciudad y tiene un punto fronterizo que es “la carretera”. Por ello podemos explicar que la mayoría de actos siniestros que el personaje realiza no es en la ciudad sino en la carretera que es el punto límite entre la ciudad y la vida salvaje que él lleva. Una metáfora de migración del ciudadano cosmopolita de hoy. Toda la obra de McCarthy tiene esta plataforma para construir su temática variada en torno a conflicto que se puede dar en estas fronteras imaginarias que el hombre pot moderno construye actualmente para diferenciarse.
Entorno al personaje de Lester Ballard el narrador no lo condena sino lo humaniza como un sujeto que la sociedad construye como el Otro salvaje. Este enfrentamiento lo lleva a delinquir sobre la identidad y los parámetros establecidos, y los despojan de su propia humanidad: la tranquilidad y el ser un sujeto ermitaño difícil de adjuntarse a la sociedad.
Hijo de Dios es una novela menor de las que nos tiene acostumbrado McCarthy. Tal vez su error sea que construye un personaje muy rico, en todos los aspectos, que no pudo explotar en el desarrollo narrativo de la novela.

Puntuación: Regular
Presentación: Buena
Género: Novela

Leído: 8 de Enero de 2010

Tendido de sol maduro

Marita Troiano en el prólogo del libro "Tendido de sol maduro" de Julia del Prado Morales menciona que "a través de un discreto tono de confidencia y particular musicalidad, sin recurrir a sofisticaciones del lenguaje ni grandilocuencia, que casí siempre limitan las posibilidades de comunicación de la poesía" son las características como se construye el discurso del libro. "Tendido al sol maduro" es un libro con título infinitamente poético. Pero analicemos estas palabras relevantes. Lo que Marita dice es cierto, la poesía sin artilugios tiene la característica de poseer dos cosas: la saburía del poema total para reflejarnos un pasaje de lo real y la construcción de un lenguaje sencillo que nos hace instantaneamente reflexionar en el poema. Por ello reafirmo que los poemas con palabras sencillas son más difíciles de concebir que los trabajados minuciosamente: El poema orfébre. Pero tambíen son los más cercanos a fracasar en la lectura, el lenguaje es tan claro que nada se puede esconder, no hay caparazones de interpretaciones que uno tenga que descubrir, no hay un esfuerzo de parte del lector. Así el lector puede descalificar instantaneamente un poema que no poesea la sufieciente fuerza en descubrir un certeza oculta en nuestra realidad. Eso es lo que veo en mucho de los poemas de este libro. La construccion del poema queda como un simple descripción que no evoca algo pero no nos dice porque es esa evocación, porqué es importante estar allí, delante, del y con el sujeto poético: "Tarde no es tarde/ en esa belleza de agua/ cristalina/ que me mira" Marita se equivoca cuando califica la inocencia en los poemas. La inocencia se encuentra en la propia escritura. Recordemos que no hay inocencia en la autora sino en el "yo" poético que construye la autora que para mi interpretación son errores grasos de poder acercarnos al texto. El libro no es una mercancia, es un texto que presenta aristas de interpretaciones que tiene que dislumbrar al lector. El "yo" poético construye sus paisajes desde una evocación egureniana y de vejez pero los resultados que presenta en la construcción del texto son casi nulos. En cambio, yo creo, que la construcción del texto se encuentra en esos ojos virgenes que nos narrar el "yo", ese finguimiento que nada es real, que todo es aprendido si observamos la naturaleza con minuciosidad. En este punto, el libro se divide en poemas de agua y tierra. La primera parte me parece floja porque la excesiva vinculación con seres que son tratados de manera artificiosa. El texto construyen pero no le da acción. Un ejemplo claro de la buena construccion de sujetos poéticos es Eguren que construye sujetos fantasmales, anónimos pero dentro del poema poseen una accion irreal; por ellos los sujetos poéticos de Eguren perduran, no son artificios ni de coloración ni de animación. Todos ellos tienen vida/muerte a la vez. La segunda parte son poemas de tierra es distinto el trato que se le debe dar pero no me acerca a la tierra/realidad como aparece en la primera parte. Para el "yo poético" el mar es el recuerdo, la infancia, el juego. En la segunda división nada me acerca a la tierra aunque aveces se mencione la pachamama o lugares no saturados de paisajes marinos

Ahora si tratamos de caracterizar lo intimista en la poesía de Julia tenemos que entender que si el trato del tema intimo particular puede trascender. Lo oculto no solo es sinónimo de curisidad en entender sino de aclararnos nuestra intimidad. En Julia lo intimo es decir, colorear imagenes intima pero no construirla dentro de sus poemas.

Quisiera también en dar un comentario especial sobre el poema: "La niña de la lampara azul" que me parecio un poema intertexual mal concebido. Veamos

La niña de la lampara azul

mata al rojo rey

con su gorda guitarra

Y su verde violín

Ya cierra el círculo de su fuego sagrado.

La niña en el poema de Eguren es la guía del sujeto poético en el paisaje de la oscuridad. Entonces semáticamente es un sema posítvo al yo poético negativo. El rojo rey es referencia a otro poema de Eguren "Los reyes rojos"; entendamos que el rey rojo es el atardecer (este tema es zanjado por muchos especialistas), si el atardecer es un sema positivo. Porque dos construcciones de sujetos que liberan al yo poético de la calamitosa oscuridad deben enfrentarse y cerrar ese fuego sagrado que tanto ella como él poseen. Acaso elimiando a uno se acaba la oscuridad, si son sujetos luminosos. Donde queda la música y la la alegría. Y si el texto convierte a la niña en sujeto negativo, imaginemonos, porque tiene que utilizar la musica (los instrumentos) para lograr que el poema se construya de manera irreverente. Y finalmente acaso el circulo no una imagen de perfeccion porque en el poema es negativo.

El libro posee poemas acertados pero muchos fallidos porque no cumple la función de construiir un discuros sobre algo (paisajista, la mujer, el amor, la vejez, la familia). Quiero destacar algunos poemas: Casas viejas, Vitrola de arroz, Invento, Cópula de fuego y ternura; y desde el peñasco. Yo soy creyente que el poema es género más intimista y más reduccionista y perfecto que puede haber de los demás denota y exigen mucho de una persona. Así como un comentario justo sin rodeos que ayuden a entender, en nuestra época, como ellos se construyen y se salvan del oscuro paisaje del olvido.

Puntuación: Regular

Presentación: Buena

Género: Lírico

Leído: 25 de noviembre de 2009

Pequeñas criaturas

Soy partidario que un libro de cuento tenga como máximo diez textos si son relativamente cortos. Si los cuentos son largos entonces el libro debe pueden constituir tres a cinco textos no más. El gran Cortazar aconsejaba a los jóvenes narradores que cuando se embarcaba a la tarea de publicar un libro deberían tomar en cuenta estas ideas planteadas. Mi opinión no se contextualiza con el minimalismo que caracteriza a nuestra sociedad, ni porque soy partidario de ese tipo de escritura. Un libro corto de cuento produce que el lector tenga una mejor confabulación con el texto, lo atrapa y lo condena a recordarlo y releerlo toda su vida. El libro que contiene muchos relatos – aunque sea de un consagrado escritor- tendrá la dificultad de no recordar, de perderse –tal vez- en el estilo, la atmósfera, la idea que se quiere desarrollar en el texto. “Pequeñas criaturas” de Rubem Fonseca (Editorial Normal, Ediciones La otra Orilla 2004), adolece de lo que planteo líneas arriba. Se me hace muy difícil en todo el marasmo de cuentos encontrar uno muy diferente a los que he leído –es mi autor preferido por ello he leído la mayoría de sus libros-. El mismo tema exquisito de construcción de personajes muy disímil a nuestra sociedad o tal vez los peores que pueden existir; la prosa concisa y directa, el deleite por presentara a la mujer y ser el eje principal en sus historias son las repetibles características que podemos encontrar en el libro de Fonseca. El libro posee treinta relato de los cuales he seleccionado seis de gran factura –no nos olvidemos que es una percepción subjetiva sobre este valor de selección-, y de los seis, solo dos los que pueden darnos otras luces sobre el universo de Fonseca. Todos los personajes que constituyen el libro se acercan a la experiencia del amor en todos sus límites y vicisitudes. Estas pequeñas criaturas que aparecen como seres insignificantes en la obra se va desarrollado hasta convertirse en personajes multiculturales que nos hace comprender la violencia de sectores menos favorecidos como es el caso del cuento “Madrina de la batería”. Otra característica es la estructura policial, que nos tiene acostumbrado, y se sirve para darle suspenso a los cuentos. El libro tiene pocas novedades entorno al estilo o al tema repetitivo que desarrolla Fonseca en sus libros. Fonseca pertenece a esos autores que siempre te entusiasma con un nuevo libro y te decepcionas al terminar de leer su libro, pero le das una nueva oportunidad para te mienta y te desencaje la moral.
“Pequeñas Criaturas” está compuesto de una escritura somera, con diálogos escuetos y bien posicionados al momento que el narrador nos involucra con el pensamiento del personaje. Temas repetitivos –vistas en otros cuentos-, con un desenlace que nos deja con una incertidumbre negativa – en ciertos cuentos-. Rubem Fonseca, con este libro, es otro intento de mostrarnos las relaciones humanas como vehículo a lo absurdo que puede ser nuestra vida cotidiana.

Puntuación: Regular
Presentación: Mala
Genero: Relatos
Leído: 20 de octubre de 2009

Shakespeare nunca lo hizo

Este es el diario de un viaje insólito, que Shakespeare no hubiera hecho ni dicho, contado con brutalidad, sinceridad y desgarro que siempre caracteriza a la prosa de Charles Bukowsky. “Shakespeare nunca lo hizo”, es un libro menor de Bukowsky, un libro armado de apuntes, reflexiones de su viaje por Europa (Alemania, Italia, Francia) acompañado con su novia Linda Lee.
Lo importante de este libro son las frases ingeniosas que el autor hace en torno a las mujeres, el alcohol y la vida mundana que llevaba: “Yo siempre he dicho que cualquier mujer que es capaz de soportar vivir conmigo debe de ser llamada por su verdadero nombre” , “Yo nunca escribí poesía para recitarla, pero me ayudaba para pagar el alquile”, “Mira –le dije a Linda Lee-, vamos a volver a la habitación del hotel y vamos a beber día y noche, a beber hasta que no nos quede un centavo”. Bukowsky nos entromete en su vida, en su manera absurda de pensar y hacer de la vida su literatura, allí la característica de su obra: la manera particular de entender con pesimismo e ironía su existencia en un universo absurdo, vacío y amoral. El libro agrupa un diario de viaje, fotografías de Michael Montfort y un conjunto de poemas escritos en este periplo por Europa. Si bien es cierto que el libro nos hace participe de este periplo y nos acerca a un Bukowsky más humano, entendemos que ficción y literatura son dos fronteras vulnerables al momento de escribir. El acto de escribir por satisfacción orgásmica de enfrentarse así mismo.
Un libro escrito a finales de su vida y que solo sirvió para sumar al mito que ya construía Bukowsky para su lectores acérrimo.

Puntuación: Regular
Presentación: Buena
Género: notas
Leído: 16 de agosto de 2006

El viaje a la ficción: el mundo de Juan Carlos Onetti

Tenía el mismo precepto de algunos peruanos que no se acercaban a Mario Vargas Llosa por su distanciamiento que tenía con la sociedad peruana –aunque sus obras traten siempre de contextualizarse en el Perú-. Su imagen omnipotente de escritor españolizado provocaba que no leyera sus obras por conceptos preconcebidos de una estupidez. Así mi reconciliación literaria empezó con el libro “El paraíso en la otra esquina”, desde ese momento he leído con simpatía y admiración a nuestro gran escritor peruano de nuestro siglo.
“El viaje a la ficción: el mundo de Juan Carlos Onetti”, es un ensayo donde el tema de la ficción y la vida se juntas se construyen con fuerza y originalidad en toda sus novelas y cuentos. Llosa traza desde el inició esa preferencia, que siempre le ha caracterizado, de revisar minuciosamente el vaso comunicante de estos dos entes, como si estos fueran características de los buenos escritores. Mario Vargas Llosa reconoce la importancia de Onetti por ser unos de los precursores del “Boom Latinoamericano”; ser el escritor que mejor condenso la influencia extranjera de tecnicismo al momento de escribir y construir ese mundo rico de Santa María. La influencia de William Faulkner, Jorge Luis Borges y James Joyce quedará como precedente en ser uno de los primeros en utilizar sus innovaciones y darle un carácter más personal. De una escritura Barroca y un estilo confuso han sido las dificultades que ha tenido que sopesar Onetti para ser comprendido su obra. Llosa se embarca a este viaje odisiaco para tratar de comprender la composición de sus novelas como: “La vida breve”, “El astillero”, “El pozo; y sus mejores cuentos. Llosa trata de retratarnos un Onetti que siempre está en el limbo de la ficción y la realidad. Así lo que más importa en el libro es el contexto, el móvil y la técnica de cómo se van fundando las obras de Onetti en toda su vida. Desde Uruguay, Argentina y su destierro en España. Su desvaloración en su país y su reconocimiento de escritor de culto en Europa en los años donde había sido desterrado por el gobierno despótico de Uruguay.
Mario Vargas Llosa ha tenido siempre – en sus ensayos y hasta en sus novelas- la particularidad de investigar cosas personales, inmiscuirse en lo privado, decir lo se dice debajo de la mesa –podía señalar que se convierte en una ña catita moderna que trata de saber todo lo que puede, de escudriñar lo que no se quiere decir-; leer todo lo que escribió y lo que se escribió de él; una manera de sitiar al autor y descuartizarlo, y estudiarlo minuciosamente. Llosa hace un gran trabajo de darnos esa comprensión de cómo se escribe y nos provoca la lectura inmediata de la obra del autor. Nos somete a descubrir ese mundo oculto que se esconde en la ignorancia de los años; del vilipendio de nosotros, los ciudadanos de esta ciudad moderna, por aquellas personas que ven pasar la vida lenta y deliciosamente, y nos dan un testimonio de vida y de comprender lo que nos rodea.
Debemos anotar, finalmente, que el presente ensayo, fue producto del dictado del curso universitario del semestre otoño 2006 en la Georgetown University, en donde Mario Vargas Llosa se dedicó específicamente en exponer la obra y vida de Onetti. Un excelente libro para descubrir o redescubrir a este gran escritor latinoamericano que cumplió cien años de nacimiento.

Puntuación: Bueno

Presentación: Muy buena
Género: Ensayo
Leído: 31 de Julio de 2009

Contacto

Dennis Cooper es uno de los escritores norteamericano más transgresores de la última década. Criticado por los homosexuales de su país por construir un sujeto gey que no muestra cualidad humanas sino aspectos negativos producto de una sociedad en decadencia. Dennis Cooper ha sabido canalizar su vida desordenada en una escandalosa literatura. Homosexual, punk y drogadicto confeso de los inicios de los noventa; Cooper ha seguido la línea de Bataille, Gide o Bukosky, solo para mencionar algunos casos recientes. Sus personajes que habitan en sus textos pueden ser identificados como alter egos de la vida de Cooper. Este es el caso de la novela “Closer” 1989 (“Contacto” Anagrama 2005). Un punk de dieciocho años que pinta rostros deformados, un rockero paranoico, un estudiantes de cine fascinado por el cine de pornografía, un cuarentón que tiene la fascinación de descuartizar cuerpos jóvenes son unos de los tantos personajes que nos presenta Cooper en esta obra que se desarrolla con un hilo conductor no muy bien construido. El problema que surge es la lejanía que posee una historia de la otra. Hasta uno podía pensar que el texto se podría leer como relatos que tiene una relación de espacio. Si bien es cierto que uno se entusiasma con el libro por los personajes que se presentan, el accionar poco sustancial produce que la novela vaya perdiendo el entusiasmo de la lectura inicial. Lo positivo en la novela es la construcción del sentimiento del amor en los personajes. El amor desolado, silencio y fanático nos hace reflexionar sobre este sentimiento netamente humano. De esta manera la novela se vuelve, en ciertos pasajes, perturbadora y ofensiva a la moral de lector cucufato. “Contracto”, creo, es una novela que se construye no desde la idea estilística de la novela de guardar un canon de escritura sino de desarrollar un discurso trasgresor desde la base del odio, del rencor, desde la plataforma que lo que uno vive debe ser reelaborarlo en literatura = consumista. Esa es la pregunta de esos años: ¿Toda novela puede llegar a tener un publico desorbitante, afanoso que lo sigas envileciendo con este tipo de literatura que tiene como personaje principal no el narrador constructor de un ambiente donde se desarrollan historia extrañas sino al escritor escandaloso, provocador de la vida social?. Dennis Cooper es eso y mucho más auque la novela esté escrita a patadas y escupitajos.

Puntuación: Regular
Presentación: Muy buena
Género: Narrativo
Leído: 5 de octubre de 2009